Hvorfor Federico Fellinis film er så fængende

2024 Forfatter: Malcolm Clapton | [email protected]. Sidst ændret: 2023-12-17 03:51

Du vil græde over "Cabirias nætter", værdsætte den modne kynisme i "La Dolce Vita" og kaste dig ud i det ekstravagante "Rom".

Den store italienske instruktør Federico Fellini, vinder af fem Oscars (den sidste for sit bidrag til biografen), ændrede radikalt tankegangen hos både publikum og mange andre instruktører. Ved første øjekast er hans malerier vildt forvirrende, komplekse og derfor uforståelige. Men ser man på det, er Fellinis filmiske sprog meget demokratisk, og han er selv en sand folkeskaber.

Hvad var Federico Fellinis kreative vej

Karrierestart og neorealisme

Federico Fellini begyndte sin karriere inden for kinematografi i 1945, da han skrev manuskriptet til Roberto Rossellinis film "Rom - en åben by". Dette billede lagde grundlaget for den mest demokratiske retning i verdensbiografen - italiensk neorealisme, og betragtes nu som en ubestridelig klassiker. Hovedtrækkene i neorealismen var sociale konnotationer og fokus på almindelige mennesker. At optræde i sådanne bånd, sammen med stjernerne, blev normalt kaldt ikke-professionelle skuespillere.

Sandt nok gik Fellini, i modsætning til neorealismens vigtigste repræsentanter - Vittorio de Sica og Roberto Rossellini, stadig sin egen vej. Emnet "den lille mand" og sociale spørgsmål lå ham også tæt på. Men allerede i de allerførste film af Federico kan en kreativ originalitet og original filosofi spores. Og motiverne til ekstravaganzaen og karnevallet, som senere blev hans kendetegn, er synlige selv i mesterens tidlige værker - Variety Show Lights (1950), The White Sheikh (1952) og Mama's Sons (1953). Selvom Fellini i disse bånd kun famlede efter sin specifikke stil.

Allerede de næste film - "The Road" (1954) og "Nights of Cabiria" (1957) - blev mere sentimentale og mindre realistiske. De lignede en mærkelig, foruroligende drøm. Efter dem opgav instruktøren endelig neorealismen til fordel for usædvanlige værker, hvor virkeligheden bizart blev kombineret med forskellige former for mirakler.

Tag afsted til surrealismen og kreativitetens blomstring

Et nyt kapitel i en instruktørs karriere kaldes nogle gange rosenrød eller magisk realisme. Film fra denne periode er meget mere fyldt med fantasi end før, men samtidig er de kendetegnet ved poesi og lethed. Og stadig lige så meget som motiverne til ekstravaganza og karneval, er Fellini interesseret i emnet at finde sig selv.

De vigtigste film på denne scene - "Sweet Life" (1960) og "8 and a Half" (1963) - er bygget som en eksplosiv blanding af ægte minder, nostalgi og fantasi. Det er disse to film, der anses for at være toppen af instruktørens egen kreativitet og standarden for kinematografi generelt. Psykoanalyseteoriens indflydelse mærkes også stærkt i dem. Trods alt var Fellini meget opmærksom på sine drømme og skrev mange af dem ned, og i det psykoanalytiske koncept tillægges der bare en masse betydning for fortolkningen af drømme.

Baroktræk og stadig mere grotesk stil

På dette stadium afviger mesterens kreative vej mere og mere fra publikums forventninger. Spektakulæriteten begyndte endelig at dominere plottet, og selve filmene blev godt, fuldstændig psykedeliske.

I båndene "Satyricon" (1969), "Rom" (1972), "Amarcord" (1973) refererer Federico Fellini til oldtidens historie og endda hans egne barndomsminder. Men samtidig er filmene så overlæsset med detaljer, at Andrei Tarkovsky kaldte denne periodes værker Tarkovsky om Fellini: "Jo mere subjektivt billedet af verden er, jo dybere trænger kunstneren ind i den objektive virkelighed" / Art of cinema Fellini-barokken.

Apoteosen var filmen "Casanova" (1976). Han blev køligt modtaget af kritikere og ikke værdsat selv af de mest loyale fans af instruktøren. Og Fellini selv var ikke stolt af dette arbejde. Han tog produktionen op med stor modvilje og læste Giacomo Casanovas omfangsrige erindringer, efter at han havde underskrevet en skydekontrakt.

Den kreative vejs forfald og selvironi

Fra 1980'erne gik mesteren endelig ind i selvparodi og gentænkede sine egne tidlige fund. For eksempel er "City of Women" (1980) faktisk en scene af haremet fra "8 and a Half", der er vokset til størrelsen af en hel film.

I lignelsen "Og skibet sejler …" (1983) følger Fellini sine yndlingskunstneriske principper (om dem nedenfor). Men instruktørens senere film - "Ginger and Fred" (1986), "Interview" (1987) og "Voice of the Moon" (1990) - forenes af temaet kreativ træthed og nostalgi efter fortiden. For det første bekendtskab med Fellini er det bedre ikke at vælge dem. Det er trods alt netop tilfældet, når det er bedre at se instruktørens film strengt i rækkefølge.

Hvordan Federico Fellinis instruktørstil skiller sig ud

Vedvarende billeder og arketyper

Gennem hele Fellinis værk løber de samme billeder som en rød tråd. Sjældent klarer hans film sig uden cirkusstemningen. Det sidste kan man ikke forestille sig uden klovne, som på én gang forstyrrer og glæder instruktøren.

Federico Fellini direktør. Fra bogen "I, Fellini" af Charlotte Chandler

Da jeg var syv år gammel, tog mine forældre mig med i cirkus for første gang. Jeg var chokeret over klovnene – jeg vidste ikke, hvem de var, men jeg havde en mærkelig fornemmelse af, at jeg var forventet her. Siden da har jeg etableret en ubrydelig forbindelse med cirkus, og jeg drømte om det i mange år.

Filmskaberen vendte tilbage til dette emne så ofte, at en lignende stil nu er uløseligt forbundet med hans navn. Kritikere kalder dette æstetik for felinisk, det vil sige felinisk.

En anden vigtig del af Fellinis æstetik er billedet af stranden. Direktøren er født i kystbyen Rimini og tilbragte meget tid ved havet. Derfor udspiller sig skæbnesvangre begivenheder for heltene (levende eksempler - "8 og en halv", "Sweet Life" og "The Road") ofte på kysten i hans film.

Fellini startede som karikaturtegner og var dygtig til at skildre billeder på grænsen til det groteske. Han ønskede, at karaktererne, så snart de dukkede op på skærmen, straks blev husket af publikum. Derfor var han bekymret for usædvanlige mennesker - marginale, prostituerede, svindlere og slyngler.

Et og samme billede findes ofte i hans værker - en meget stor, statelig dame. Hun legemliggør både det feminine princip, moderens omsorg og dyrepassion. Som alle hans yndlingskarakterer kom instruktøren med sådan en heltinde som barn.

Ukonventionelt drama

Ofte bliver Fellinis film skræmt af deres mangel på en klar fortællestruktur. Det lader til, at hans malerier ikke handler om overhovedet noget: der er ikke noget klart manuskript i dem, og plottet, selvom der er et, er ikke-lineært.

Men det er netop denne egenskab, der gør mesterens bånd så markante. For dem, der frem for alt værdsætter kækt snoede intriger og smarte dialoger, er Fellinis stil usandsynligt tæt på. Men italieneren vidste perfekt, hvordan han skulle formidle forskellige nuancer af følelser fra sine helte.

Permanent muse

Ikke en eneste Fellini-film kunne undvære hans elskede kone Juliet Mazina. Selvom skuespillerinden ikke selv optrådte, var hun næsten altid til stede på settet. I filmen "The Road" har Mazina skabt et af de bedste billeder i verdensbiografen, og navnet på hendes heltinde, Jelsomina, er blevet et kendt navn.

Kunstneren var i stand til at formidle bogstaveligt talt hele rækken af menneskelige følelser på skærmen. Hun kunne være lige så spontan, romantisk, dramatisk, men oftere - sjov og smerteligt rørende.

Filmisk alter ego

Da han skulle skyde La Dolce Vita, kunne Fellini først ikke finde en førende skuespiller. Han havde brug for den mest alsidige type, så publikum nemt kunne forestille sig, at de var i stedet for helten.

En gammel kending af Juliet Mazina, Marcello Mastroianni, var ideel. Efterfølgende blev hans samarbejde med Fellini genfødt til en tæt kreativ forening og derefter til et ægte venskab, som begge bar gennem årene.

Instruktøren blev aldrig træt af at gentage, at han selv og billederne af Mastroianni skulle tages som en helhed. Og dermed viste han, at du kan skyde meget usædvanligt og interessant om dig selv, og nogle andre filmskabere tog senere denne teknik til sig.

Hvilke film af Federico Fellini skal se

1. Mors sønner

• Italien, Frankrig, 1953.
• Drama, komedie.
• Varighed: 109 minutter.
• IMDb: 7, 9.

Fem unge mennesker keder sig i en provinsby ved havet. De drømmer om at forlade deres fødeland, hvor alt er smerteligt velkendt, og hvor deres slægtninge bor.

Grundlaget for "Mama's Sons" blev dannet af minderne om Fellini selv, selvom han ikke kunne lide, da hans film blev kaldt selvbiografiske. Ikke desto mindre fortæller båndet præcist om instruktørens ungdom. En af hovedpersonerne blev endda spillet af broren til Federico Ricardo Fellini, og karakteren bærer samme navn.

Takket være den meget personlige tone i "Mama's Sons", sammen med hendes tidligere tidlige værker "Variety Show Lights" (1950) og "White Sheikh" (1952), kan den betragtes som en slags trilogi. Men det var i "Sønner", at Fellini fandt sin kreative originalitet og bragte sine filmiske færdigheder til et nyt niveau.

2. Vej

• Italien, 1954.
• Drama.
• Varighed: 108 minutter.
• IMDb: 8, 0.

Den stærke cirkusmand Zampano køber landsbyidioten Jelsomina ud for at arbejde som hans assistent. Sammen rejser de gennem Italien, indtil de møder et omrejsende cirkus.

"The Road" betragtes som en af nøglefilmene ikke kun på italiensk, men også i verdensbiografen. På dette bånd har Fellini allerede forladt neorealismens kanoner og tilføjet fantasi og poesi til handlingen.

Billedet bragte Fellini sin første "Oscar", og glorificerede også Juliet Mazina, som straks fik tilnavnet "Chaplin i en nederdel".

3. Cabiriens nætter

• Italien, Frankrig, 1957.
• Drama, melodrama.
• Varighed: 118 minutter.
• IMDb: 8, 1.

En prostitueret ved navn Cabiria drømmer om at finde ægte kærlighed og forlade et fattigt kvarter. Men pigen bliver bedraget og brugt til personlige interesser. På trods af dette forbliver hun venlig mod mennesker.

Federico Fellini skrev manuskriptet til filmen specielt til sin kone. Det er overflødigt at sige, at Mazina klarede sin rolle fremragende, og hendes smil gennem tårer i finalen blev et symbol på italiensk film.

4. Søde liv

• Frankrig, Italien, 1960.
• Satire, tragikomedie.
• Varighed: 179 minutter.
• IMDb: 8, 0.

Den kyniske journalist Marcello fører en hedonistisk livsstil og forandrer kvinder som handsker. Selv udseendet af den amerikanske filmstjerne Sylvia gør ikke et særligt indtryk på helten. Hans følelser bliver kun såret af en vens forfærdelige selvmord, men ikke længe.

Billedet gjorde Marcello Mastroianni til en stjerne og påvirkede også populærkulturen så meget, at selve navnet blev et kendt navn. Men den geniale idé blev ikke umiddelbart værdsat. "Sweet Life" blev forbudt, instruktøren blev anklaget for blasfemi og angiveligt at filme pornografi. Det nåede dertil, at Fellini bogstaveligt talt spyttede i ansigtet.

5,8 og et halvt

• Italien, 1963.
• Tragikomedie.
• Varighed: 138 minutter.
• IMDb: 8, 0.

Instruktør Guido Anselmi skal til at optage en ny film og gennemgår samtidig en kreativ krise. Han tager til et feriested, hvor han møder alle mulige mennesker. Men jo længere, jo mere tvivler helten på, at han overhovedet vil skabe et billede.

Fellini komponerede "8 and a Half" baseret på personlig erfaring. Da det var nødvendigt at skrive et manuskript, stod han selv over for en mangel på ideer og ønskede endda at opgive projektet. Men så faldt det ham ind bare at lave en film om sig selv.

Selv navnet "8 og en halv" valgte Federico ikke tilfældigt. Den omfatter seks film i fuld længde og to kortfilm, som Fellini nåede at optage på dette tidspunkt. Nå, instruktøren betragtede sin debut "Variety Show Lights" (1950), lavet i samarbejde med Alberto Lattuada, som en halv.

6. Julie og parfume

• Italien, Frankrig, 1965.
• Fantasy, drama, komedie.
• Varighed: 148 minutter.
• IMDb: 7, 6.

Juliet begynder at mistænke sin mand for forræderi. Men fra det øjeblik, hvor hun endelig mister tilliden til sin elskede, skynder en skare af ånder fra den anden verden ind i hendes liv.

Fellini ville med sin første farvefilm give kvinder retten til frit valg tilbage. Men ironisk nok lyttede han slet ikke til sin kone Juliet Mazina, som konstant kritiserede manuskriptet under optagelserne, og det forgæves. I stedet for at fokusere på kvinders oplevelse, portrætterede Federico sit eget syn på dem på skærmen. På grund af dette blev billedet hilst køligt, hvorefter instruktøren indrømmede, at hans kone havde ret.

Nogle gange kaldes "Juliet" den kvindelige version af "8 og en halv". Det er til dels rigtigt, for Fellini har selv talt med Federico Fellini. At lave en film, der har lavet den samme film hele sit liv.

7. Satyricon

• Italien, Frankrig, 1969.
• Fantasy, drama, historie.
• Varighed: 129 minutter.
• IMDb: 6, 9.

Begivenheder udspiller sig i Romerriget under dets tilbagegang. I centrum af fortællingen er historien om den unge mand Encolpius. Helten leder efter sin unge elsker, som flygtede sammen med deres fælles ven.

Nu regnes "Satyricon" som et af Fellinis bedste værker, men filmen var desværre langt forud for sin tid. Så eksperter i oldtidens historie kritiserede skarpt billedet, selvom instruktøren ikke hævdede at være autentisk. Hans mål var snarere en parodi på den socio-politiske situation i slutningen af det 20. århundrede.

Publikum reagerede også koldt på "Satyricon", da den anså den for eksperimenterende. På dette tidspunkt begyndte Fellini langsomt, men sikkert at miste sit publikum, som helt holdt op med at forstå ham.

8. Rom

• Italien, Frankrig, 1972.
• Drama, komedie.
• Varighed: 120 minutter.
• IMDb: 7, 4.

Impressionistisk, skrevet med store streger, historien om selveste Fellini, der som ung flyttede til Rom fra en lille by. Som i mange andre mesterens film er den fuld af selvbiografiske motiver, mens der ikke er noget klart plot, plottet er ikke-lineært, og bevidsthedsstrømmen blander fortid og nutid, virkelighed og fiktion.

9. Amarcord

• Italien, Frankrig, 1973.
• Drama, komedie.
• Varighed: 123 minutter.
• IMDb: 7, 9.

Ifølge plottet er 1930'erne og det fascistiske diktatur Mussolini i gården. Hovedbegivenhederne udspiller sig omkring den unge Tittas familie og forskellige andre mærkelige karakterer, der bor i den lille kystby.

I Amarcord genforestiller Fellini sine teenageår i Rimini. Men han foretrækker at vise sine barndomsminder gennem voksenoplevelsens prisme. Så filmen viste sig at være meget ærlig, og nogle episoder generede censorerne så meget, at sovjetiske seere for eksempel så en beskåret version.

10. Kvinders by

• Italien, Frankrig, 1980.
• Drama, komedie.
• Varighed: 148 minutter.
• IMDb: 7, 0.

Den respektable borgerlige Snaporas stiger af toget efter den kvinde, han kan lide. Han befinder sig i en fantastisk kommune, hvor der ikke er plads til mænd. Helten forsøger at flygte derfra, men kaster sig kun dybere ned i kaosets og absurditetens afgrund.

Dette er en af Fellinis senere film, surrealistisk og plotløs ligesom alle hans modne værker. Billedet kan kaldes en gentænkning af båndet "8 og et halvt", hvor helten Mastroianni havde udelt magt over de forelskede damer. Men i "Kvindernes by" bliver karakteren tværtimod knust af strømmen af kvindelige udtryk.