Ikke-oplagte grunde til, at vi elsker nogle film og har svært ved at tolerere andre

2024 Forfatter: Malcolm Clapton | [email protected]. Sidst ændret: 2023-12-17 03:51

Finesser af redigering, kamerateknikker og andre tricks, der giver dig mulighed for at mærke atmosfæren.

Oftest, når man diskuterer biograf, taler man om plottet og skuespillet. Selvfølgelig er disse vigtige komponenter i enhver film. Men det sker, at man ikke kan få øjnene væk fra et billede, selvom handlingen udvikler sig meget langsomt, og en anden historie hurtigt bliver kedelig, trods de mange begivenheder. Nogle forfattere formår at få seeren til at tro på de mest fantastiske sving, mens andre laver endda virkelige situationer som legetøj. Og det er bare hyggeligt at se nogle bånd, mens andre er svære.

Sagen er, at der udover plottet og skuespillerne er mange interessante teknikker, som instruktører bruger til at hjælpe seeren med at mærke handlingen og nyde, hvad der sker på skærmen. Disse finesser bliver måske ikke engang bemærket, men de påvirker stadig i høj grad opfattelsen af billedet.

Farvespektrum

Den første ting at bemærke er, at farverne i filmene ofte slet ikke er de samme som i det virkelige liv. Det kan være ret tydeligt (f.eks. hvis billedet er sort/hvidt), eller du opdager det ikke med det samme. Men dette er ikke tilfældigt.

At skabe en atmosfære

Ved hjælp af farver kan du bedre formidle atmosfæren af det, der sker, skabe en stemning for seeren og endda vise karakterernes følelser.

Tag den populære X-Men-franchise som et eksempel. I hovedserien af film ligner det lyse og rige billede tegneserier. Og i modsætning til dem i noir "Logan", hvor de taler om heltens alderdom og træthed, er blegere toner valgt.

Optaget fra filmen "X-Men: Apocalypse"

Optaget fra filmen "Logan"

I filmen "Mad Max: Fury Road" foregår det meste af handlingen i et varmt ørkenområde. Det er logisk, at billedet er optaget i gul-orange nuancer, som får dig til at mærke den brændende sol og tørhed.

For klarhedens skyld kan du tage en ramme og ændre farveskemaet. Det vil umiddelbart se ud til, at det er blevet koldere.

Optaget fra filmen "Mad Max: Fury Road"

Samme stel, men i kolde farver

For at skabe et kontrastbillede bliver moderne blockbusters og generelt massebiograf gjort mere blå og orange.

Men den berømte Wes Anderson elsker en blød lyserød palette. Det giver seeren følelsen af en gammel romantisk film. Og alt, hvad der sker, opfattes mere roligt og lettere.

Når de vil skabe en atmosfære af fremtid og fantasi, henvender de sig også ofte til det blå område. Og de elsker især neonfarver, som er fast forbundet i seerens hoved med cyberpunk og teknologi.

Det er overflødigt at sige, at gyserfilmskabere foretrækker mørke farver. Det er der flere grunde til. Selvfølgelig er dette delvist en måde at pumpe atmosfæren på. Mange mennesker er allerede bange for mørket, og i gyserfilm gemmer der sig også monstre i det.

Derudover giver et mørkt billede dig mulighed for lidt at skjule ufuldkommenhederne i grafik eller makeup og spare på produktionen. Sandt nok er der en fare i dette: Hvis du mørkner rammen for meget, så kan seeren simpelthen ikke se, hvad der sker på skærmen, især i en dårlig biograf eller på et gammelt tv. Det var for eksempel tilfældet i 2018-filmen Slenderman.

Selvom nogle originale instruktører kan spille i kontrast. For eksempel viste Ari Astaire i "Solstice" den typiske atmosfære af en gyserfilm: Heltene befinder sig i en isoleret landsby, hvor der sker forfærdelige ting.

Men på samme tid er billedet meget lyst, der er næsten ingen mørke scener i det, og heltenes tøj er snehvidt. Og det gør det endnu mere skræmmende, for der er ingen steder at gemme sig for rædselen.

Adskillelse af plotdele

En film kan have flere forskellige farvefiltre. De bruges til at adskille historielinjer tydeligere. Og med det rette talent hjælper denne tilgang til at lysne billedet.

Matrix er et godt eksempel. Logoet på dette bånd blev lavet med grønne kodesymboler, der angiver det program, som folk bor i. Derfor blev alt, hvad der sker i den virtuelle verden, filmet gennem et grønligt filter. Og virkelige begivenheder vises i blåt.

En scene fra filmen "The Matrix", action i den virtuelle verden

En scene fra filmen "The Matrix", action i det virkelige liv

Og først til allersidst i tredje del, da mennesker og maskiner indgik en fredsaftale, dukker der samtidig rene blå og grønne farver op i rammen.

I Christopher Nolans Inception bevæger karaktererne sig fra den virkelige verden til at sove, derefter til at sove i søvnen og så videre. For mere tydeligt at adskille "lagene" valgte instruktøren sit eget farveskema til hver af dem.

Skud fra filmen "Inception", den første drøm

Skud fra filmen "Inception", anden drøm

Skud fra filmen "Inception", tredje drøm

På det første niveau af søvn er alt filmet i en blå palet, den anden er gul, den tredje er hvid. Og først i den sidste drøm kommer alle nuancerne sammen igen, som i den virkelige verden.

I Blade Runner 2049 af Denis Villeneuve afspejlede forskellige farver både placeringen og den indre tilstand af hovedpersonen.

Optaget fra filmen "Blade Runner 2049"

Optaget fra filmen "Blade Runner 2049"

Optaget fra filmen "Blade Runner 2049"

Optaget fra filmen "Blade Runner 2049"

Det hele starter med, at Ryan Goslings karakter vandrer i tågen, hvorefter han går gennem en varm orange ørken, neonfuturisme og en natlig oversvømmelse. Og historien ender på en snehvid baggrund, der afspejler ro og renselse.

Afvisning af farve

Engang var alle film sort/hvide. Simpelthen fordi de ikke vidste, hvordan de skulle skyde ellers, og det var muligt kun at farve rammerne i hånden. Så kom farvefilm og filmografi blev meget mere realistisk.

Men samtidig er sort/hvid fotografering ikke helt fortid. De bruges stadig til kunstneriske formål. For eksempel for at afgrænse forskellige verdener eller historielinjer.

Så i "Troldmanden fra Oz" i 1939 dukker der farve op, når Dolly kommer ind i eventyrverdenen.

Stadig fra filmen "Troldmanden fra Oz", almindelig verden

Stadig fra filmen "Troldmanden fra Oz", eventyrland

I "Stalker" af Andrei Tarkovsky er farver også fraværende i heltenes almindelige liv. Og når karaktererne kommer ind i den mystiske "Zone", bliver verden lys - det er her, folk for alvor afslører sig selv.

Eller alle de samme Christopher Nolan i båndet "Remember" viste en del af handlingen i den direkte rækkefølge, og den anden - i det modsatte. Derfor er halvdelen af filmen optaget i farver, og den anden er i sort/hvid.

Still fra filmen "Remember", direkte bestilling

Still fra filmen "Remember", omvendt rækkefølge

Derudover giver et sort-hvidt billede dig mulighed for at fremhæve visse detaljer mere levende ved blot at tilføje farve til dem. For første gang gjorde Sergei Eisenstein dette, da han manuelt malede flaget i slagskibet Potemkin fra 1925.

Efterfølgende blev denne teknik brugt i helt andre genrer. I Steven Spielbergs Schindler's List bliver udseendet af en pige i en rød frakke et af de mest følelsesladede øjeblikke.

Og selv i tegneseriefilmen Sin City bliver denne tilgang brugt gentagne gange, med vægt på rød læbestift, lyse øjne eller blod.

Rammekonstruktion

Tredjedelsregel

Et af de grundlæggende principper for både film og fotografi. Dette er noget i retning af en forenklet regel om det "gyldne snit".

Det er enkelt: Når du optager, er skærmen opdelt i tre dele lodret og vandret. De vigtigste elementer for plottet skal være placeret på disse linjer såvel som ved deres kryds. Dette vil gøre det lettere for seeren at fokusere på de ønskede punkter.

Placer i en firkant

Hvis du betinget deler rammen i halve eller i fire lige store dele, så kan du få seeren til at forstå uden ord, hvilken plads karakteren indtager i historien.

Denne teknik ses tydeligst i filmen "Drive" af Nicholas Winding Refn. For eksempel, hvis hovedpersonens ansigt vises i øverste venstre hjørne, og i den næste ramme vises en anden karakter samme sted, så er dette et hint om, at karaktererne vil være rivaler.

Derudover kan den samme Refn fortælle to historier parallelt: i den øverste og nederste del af skærmen eller i venstre og højre halvdel. Seeren bemærker muligvis ikke dette træk, men alligevel vil opfattelsen af karaktererne være mere komplet. Derudover er det bare smukt.

Symmetri

En anden psykologisk og æstetisk teknik på samme tid. Ofte er billeder, hvor venstre halvdel afspejler den højre halvdel, kun lavet for skønhedens skyld.

Men nogle gange formidler de karakterernes modstand. Og hvis helten ser sig i spejlet, vil det vise hans mørke side eller forskellen mellem drømme og virkelighed. Kort sagt enhver allegori, der kan tænkes på til refleksioner.

Still fra filmen "2001: A Space Odyssey"

Optaget fra filmen "The Shining"

Et stillbillede fra filmen "Joker".

hollandsk hjørne

For at vise hovedpersonens ustabilitet, hans tvivl om noget eller hukommelsesproblemer, bruger de en meget visuel teknik. "Hollandsk vinkel" betyder, at kameraet ikke optager lige, men vippes. Mange eksempler på denne tilgang kan findes i Danny Boyles film.

Det er usædvanligt for beskueren at se på billedet fra en vinkel, så han bedre opfatter karakterens ubehagelige tilstand.

Det er dog vigtigt at observere målingen her. For eksempel blev den katastrofale film "Battlefield: Earth" filmet helt i en vinkel. Men om halvanden time vil seeren højst sandsynligt bare have ondt i nakken.

Skydning nedefra og oppefra

En anden af de enkle, men effektive teknikker, der giver dig mulighed for at formidle heltenes selvfølelse. Så du kan for eksempel vise, hvem der er herre over situationen. Og så husker jeg straks båndene af Quentin Tarantino, hvor karaktererne kigger ned i bagagerummet.

Optaget fra filmen "From Dusk Till Dawn"

Optaget fra filmen "Reservoir Dogs"

Og at skyde fra oven får dig til at føle, at helten føler sig usikker. Her er hvor sjovt de spillede det i den berømte scene fra filmen "What Men Talk About", hvor karakteren af Kamil Larin, som et barn, kommer med undskyldninger til dørmanden på en dyr restaurant:

Dialog og bevægelse

Baggrundshandling

En teknik, der oftest bruges i komedie eller gyser. I forgrunden sker der ikke noget interessant. Og alt det vigtigste udspiller sig mod baggrunden, som kan blive mørkere eller sløret.

For eksempel går hovedpersonen i filmen "Zombie Called Sean" i butikken. Alt er meget hverdagsagtigt for ham. Og i baggrunden er der en ægte apokalypse:

Afhængigt af genre og præsentation kan dette skabe enten en meget sjov effekt eller spænding – så ofte er de vigtigste skriger gemt i gyserfilm.

Samtaler i bevægelse

Den mest almindelige type dialog i film er, at karakterer sidder og chatter. I dette tilfælde skifter kameraet traditionelt mellem ansigter.

Men hvis scenen tager for lang tid, så bliver seeren træt af den konstante gentagelse af de samme vinkler. Derfor supplerer eller ændrer gode instruktører rammerne for sådanne scener.

Så i Quentin Tarantinos film taler karaktererne næsten konstant. Men mesteren lader dig ikke kede dig, for dialoger kan foregå under kørslen. På grund af den konstante ændring af baggrunden ser handlingen ikke ud til at være ensformig.

Og selvom karaktererne er i samme rum, skifter kameraet ikke bare sådan. Hun kan bevæge sig rundt om dem og skabe effekten af nærvær og endda deltagelse i samtalen. Næsten alle karakterer kan ses uden unødvendig redigering.

Nicholas Winding Refn formår at bruge det allerede nævnte spil med farve og refleksion i enkel samtale. I Drive ser hovedpersonernes første dialog ud til at se meget enkel ud.

Men samtidig er Ryan Goslings karakter altid på en blå baggrund (denne farvesammensætning følger ham gennem hele filmen). Og heltinden Carey Mulligan står ved de orange vægge. Og det viser, at noget skiller dem ad, selvom de er tæt på.

180 graders reglen

Der er endnu et vigtigt punkt under optagelserne. Hvis du flytter kameraet mere end 180 grader, når du skifter vinkler, bliver seeren forvirret. For eksempel, når helten løber, vil det se ud til, at han har vendt sig og bevæger sig i den modsatte retning.

Og det er lige så vigtigt selv under dialoger. For ikke at skabe indtrykket af, at alle i billedet har bevæget sig brat, vælger operatøren og instruktøren en bestemt linje, som kameraet ikke skal gå ud over.

Det er mærkeligt, at en bevidst overtrædelse af denne regel kan bruges bare til at forvirre seeren, for at vise heltens forvirring. Og med behørig fantasi skaber forfatterne mere usædvanlige scener. For eksempel Gollums samtale med sig selv. Karakteren vises ganske enkelt fra forskellige sider, men det skaber den effekt, at der er to talere, og de er i dialog.

Installationsfunktioner

Redigering giver dig mulighed for at gøre filmens handling mere dynamisk, "springer" livets kedelige øjeblikke over og giver dig mulighed for at se på, hvad der sker fra forskellige synsvinkler. Dens enkleste form er fortælling. Det vil sige, at begivenhederne i rammen finder sted efter hinanden. Dette blev tydeligst forklaret i Manden fra Boulevard des Capucines.

Men man kan vise filmens begivenheder på en anden måde, og til dette bruger de forskellige teknikker.

Parallel installation

I modsætning til sekventiel historiefortælling ønsker forfattere nogle gange, at publikum skal se, hvad der sker på samme tid forskellige steder. Og så går instruktørerne over til parallelredigering.

Dette gør plottet mere begivenhedsrigt. Men du skal være forsigtig. Når alt kommer til alt, hvis du på skift viser de scener, der opstår på samme tid, kan du få det indtryk, at hver af dem varer længere.

Et slående eksempel på mislykket parallelredigering er "Furious-6". Heltene forsøger at flygte på et fly, der kører langs landingsbanen, biler jagter dem, og en kamp finder sted inde i liner.

Forfatterne demonstrerer så mange begivenheder på én gang, at flyet på skærmen ser ud til at accelerere i mindst 15 minutter. Det er overflødigt at sige, at dette dræber al realismen i situationen?

Christopher Nolan er derimod bredt anset som en mester i parallelredigering. Instruktøren bruger det i mange af sine værker, men The Beginning er det bedste eksempel. Begivenheder ved forskellige søvnniveauer forekommer samtidigt og med forskellige hastigheder (i dybere søvn går tiden langsommere).

Her føjes den allerede nævnte adskillelse af farver til handlingen, og beskueren bliver ikke forvirret i, hvad der sker, men indser hele begivenhedernes globalitet.

Det er i øvrigt interessant, at Nolan i filmen "Dunkirk" er endnu mere vittig med denne teknik. Den viser parallelt de begivenheder, der finder sted på jorden, i vandet og i luften. Faktisk er kronologien en helt anden, og alt konvergerer først i finalen.

Flashbacks og Flash Forwards

Nogle gange indlejrer forfatterne deres erindringer fra fortiden - flashbacks - i den lineære historie om heltene. Disse kan være meget korte glimt på nogle få sekunder eller hele historielinjer.

En stor fan af sådanne øjeblikke er Jean-Marc Vallee. Dermed tilføjer han spænding til de tilsyneladende rolige scener. Eller han gør det klart, at karakteren bedrager nogen: Han siger én ting, men noget helt andet dukker op i hans erindringer.

Det er ikke svært at gætte på, at flashforwards er de samme historier, men fra fremtiden. De bruges sjældnere, normalt i science fiction eller mystiske historier. På en sådan teknik byggede de endda en hel serie, hvor hver person under en vis formørkelse så et øjeblik fra sin fremtid.

Og længere hen ad plottet forsøger alle at finde ud af årsagerne til, hvad der skete, og forstå betydningen af deres visioner. Serien fik navnet: Flashforward (i russisk oversættelse - "Husk hvad der vil ske"). Sandt nok varede han kun en sæson.

Jump-cut

Denne teknik gælder allerede for lineær redigering. Det betyder en skarp overgang mellem rammer. De bruger det til helt andre formål.

I Frank Oz' Little Shop of Horrors hjælper en sådan montage til at vise tidens lange og kedelige gang.

Men Lars von Trier, der også ofte bruger jump-cut i sine værker, formidler på denne måde karakterernes følelsesmæssige stress og psykologiske ustabilitet. Optagelser som dette gør billedet mere "nervøst". På båndet "Idioter" er dette meget passende:

Redigering i form og lyd

For at de forskellige begivenheder, der vises i filmen, skal opfattes som en fortsættelse af hinanden, bruger forfatterne ofte visuelle tilfældigheder. Det vil sige, at konturerne af et objekt i en ramme gentages i den næste. Og nogle gange kan det se meget vittigt ud.

Ligeledes kan du "hooke" seeren med lyd. Skriget fortsætter med damperens fløjt, og den industrielle rumlen afløses af musik i samme tempo. Eller hvislen fra et beskadiget rør bliver til et knitren af stegt kød.

Derudover kan lyden være lidt foran eller bagud, hvad der vises på skærmen. Dette gøres for at gøre scenerne mere forbundet. Det vil sige, at seeren stadig hører tale og raslen fra det forrige billede, men handlingen er allerede ændret. Eller omvendt.

Manglende installation

Dette er et modigt træk: Instruktører optager lange scener uden overhovedet at redigere eller skjuler det på forskellige måder.

Dette gør, hvad der sker på skærmen, mere realistisk, giver seeren en fornemmelse af tempoet i selve historien. Men selvfølgelig kræver denne tilgang meget mere øvelse og investering. Når alt kommer til alt, under behandlingen kan du skære mislykkede små ting ud.

Så Joe Wright i filmen "Atonement" viste en fem minutters scene med evakuering af tropper fra Dunkerque under Anden Verdenskrig. 1.300 mennesker var involveret i menneskemængden, med udstyr, der bevægede sig i rammen, og eksplosioner opstår i baggrunden. Det er denne tilgang, der formidler al dysterhed og kaos i det, der sker.

Moderne teknologier gør det muligt at håndtere installationen mere præcist. Og det hjalp Alejandro Gonzalez Iñarrit med at skyde Birdman. I den bemærker du ikke engang umiddelbart, at hele handlingen vises i én sammenhængende ramme.

Faktisk er montagen der, men skjult. Splejsninger laves, når kameraet passerer gennem et mørkt element.

Og "Russian Ark" af Alexander Sokurov ser endnu stærkere ud. Handlingen foregår i Eremitagen, og instruktøren fik en dag til optagelser. Derfor besluttede han at skyde billedet uden at lime.

Det tog syv måneders øvelser med 800 statister. Som et resultat, fra den tredje optagelse, optog de en hel film med en varighed på 1 time og 27 minutter.

Faktisk er der meget flere sådanne finesser. Men mange af dem kræver allerede dybt kendskab til instruktion og film. Det er blot simple eksempler, som kan ses i mange film. Og når du ser det næste billede, vil du helt sikkert blive ramt af det "hollandske hjørne" eller en lang ramme uden redigering. Men dette vil ikke ødelægge biografens magi, men tværtimod gøre visningen endnu mere interessant.